ESCUELA SECUNDARIA N° 60 Fcio. Varela

ARTE 6° 2° Turno vespertino

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EES n 60

Materia: Arte

Profesor: Nicolás Benítez

Fecha: 26-03-2020

Plan de contingencia pedagógica de 6° 2°, turno vespertino

Trabajo práctico por la suspensión de clases

1-Artistas de las vanguardias:

1. Claude Monet

2. Salvador Dalí

3. Henri Matisse

4. Vincent Van Gogh

En base a estos artistas, conteste las siguientes preguntas:

1. Mencione a que vanguardia pertenece cada uno de estos artistas.

2. ¿Todos lograron el éxito estando vivos?

3. ¿Qué trato de decir Matisse con la siguiente frase: “el fauvismo no lo es todo, pero es el cimiento de todo”? ¿Cuál es la obra más importante de Matisse? Mencione sus características.

4. ¿Por qué se llamo “impresionista” a dicha vanguardia? ¿Qué hizo Monet que influyera en ese nombre? Detalle las características de Impresión, sol naciente.

5. Explique la obra más famosa de Salvador Dalí, “la persistencia de la memoria”. Mencione los elementos que la componen, y que función tienen, y como la fue haciendo Dalí.

6. La frase “La diferencia entre yo y los surrealistas, es que yo soy surrealista”. ¿Qué objetivo tiene? ¿De provocar, de atacar y como se lo habrán tomado los surrealistas y por qué estos lo expulsaron?

7. Mencione los momentos de la vida de Van Gogh que usted considere más importantes ¿Cuál es el momento que más lo conmovió? ¿Por qué? ¿Quién fue la persona que logro que su apellido se haga famoso? ¿Qué hizo? ¿Por qué la iglesia quería destruir las obras del pintor holandés?

Henri Matisse (n. Le Cateau Cambresis. 1869; m. Niza 1954)

Matisse en cierta ocasión definió la transcendencia de los años 1905-1907 con estas palabras: “el fauvismo no lo es todo, pero es el cimiento de todo”, el fauvismo fue una de las primeras vanguardias, la cual fue organizada por un grupo pequeños de artistas que no tenía plena conciencia de grupo ni de lo que lograrían: un nuevo tipo de arte.

En los años previos al desarrollo del fauvismo, Matisse había perdido la esperanza de vivir de su arte. Mientras terminaba la carrera de derecho, se matriculó en la Escuela de Bellas Artes y estudió en el taller de Gustave Moreau. En 1898 viajó a Córcega, donde pintó pequeñas obras de luminoso colorido, precursoras del fauvismo, luego volvió a su manera de pintar más oscura.

Henri Matisse (n. Le Cateau Cambresis. 1869; m. Niza 1954)

En 1904 trabajo con el pintor divisionista Paul Signac, en Francia, donde realizó bocetos de su obra fundamental: “Lujo, calma y voluptuosidad” (figura de la izquierda), una obra que representa a ninfas y adoradores del dios Baco, en un entorno que nos hace recordar a la poesía griega, los personajes se hayan entregados a los placeres de la vida en el puerto del golfo de Saint Tropez, la obra es un óleo sobre lienzo, de 98 x 118 cm. Sus colores son cálidos, como naranja amarillo y rojo, pero cuenta con acentos de azules, verdes y violetas, en algunas zonas no hay color, y las formas son muy simples.

Entre 1906 y 1910 creó algunas de sus obras más notables, en las que reafirma su interés por la composición armoniosa con colores intensos. Matisse combino el retrato, la naturaleza muerta y el paisaje de un modo que nadie lo había hecho antes, pues con colores sacados directos del pomo, con líneas (negras o de color) bien marcadas, donde el color daba la sensación de plano, donde algunas zonas no se encontraba el color sino el blanco de la tela, figuras con poco movimiento y con poco detalle.

Los fauvistas fueron liderados por Matisse, André Derain y Maurice de Vlaminck, una de las frases más importantes de Matisse será: “Una obra de arte debe llevar en sí su significado completo e imponerlo al espectador, incluso antes de que éste pueda identificar el tema”.

Entre loa años 1921 a 1925 el gobierno francés compra cuadros de Matisse, y es nombrado caballero de la Legión de honor. En la década de 1940, cuenta con mala salud y con una artritis severa, confecciona cuadros con recortes de papel de colores. En 1954 muere en Niza.

Claude Monet (n. París 1840; m. Giverny, 1926)

La Carrera de Monet fue esencial para el movimiento impresionista, ya que se mantuvo fiel a sus técnicas y principios hasta el final de sus días. Pasó parte de su juventud en la costa de Le Havre, donde Eugene Boudin le alentó a pintar en el aire libre.

Para 1859 Monet ya se había trasladado a Paris, había establecido contacto con los futuros impresionistas de la Academia de Suisse y del estudio de Charles Gleyre. En la década de 1860 su arte logra una gran evolución, aunque su vida privada era un desastre. Estuvo muy escaso de dinero, por lo que soportaba el rechazo de su familia, por el camino que había elegido y su manera que no era la tradicional para pintar, y también de sus parejas.

En Londres pasó un tiempo, para luego instalarse en Argenteuil, un pueblo cerca de Paris, donde creo algunas de sus mejores obras.

En la década de 1880 los impresionistas comenzaron a distanciarse, pero Monet persiguió siempre los objetivos originales del impresionismo, donde pinta obras del mismo tema, pero con diferentes condiciones de luz y en sus célebres nenúfares, pintados en el jardín de su residencia en Giverny, con un marcado estilo japones, pues una característica con la que contaban las vanguardias era que había que tomar los valores o conceptos de las artes de otras partes de mundo, no solo Europa era digna de imitar, si no de otras tierras lejanas que no tenían nada que envidiarle al viejo continente.

El objetivo central del impresionismo era pintar en base al cambio de la temperatura en el transcurso del día, ósea un paisaje no cuenta con los mismos colores cuando sale el sol a cuando este no se encuentra. Además, rompió con el estilo academicista que decía que todo tenía que estar detallado, o despojarse de la figura humana posando, si no lo fugaz o pasajero era lo que este movimiento buscaba, captar la realidad era ya trabajo de la fotografía, la pintura tenia otro fin, captar la luz y el color.

Vivió como pintó con pasión, con entrega, apurando experiencias y conocimientos. Su obra más conocida y la obra que le debe el nombre de “impresionista” a este movimiento es “Impresión, sol naciente” (figura de arriba), donde se presenta al puerto de Le Havre, con unos colores fríos, como celestes, azules, con tintes naranjas y amarillos, donde el primer plano se presenta a un bote pequeño ante la inmensidad de las naves y del paisaje mismo. Pintada en el año 1872, es un óleo sobre lienzo, que cuenta con unos 48 por 63 cm. Los críticos de arte destrozan la primera exposición de estos artistas, con argumentos como: -Me genera impresión ver estas obras”. – o tienden a llamar a esta exposición como: - La exposición de los impresionistas.”- el uso de impresionista fue usado por los críticos para catalogar de chocante a obra de mal gusto, a impresionar para mal al espectador. También los críticos decían cosas como que las pinturas no estaban acabadas, o que les faltaban detalles, el uso repetitivo del termino impresionista paso a ser despectivo y cruel, decidieron llamarse “impresionistas”, además es una forma de provocar a quienes tanto los criticaban. Sin mencionar que era una forma que la gente los identifique, sin mencionar que a veces la mala prensa puede ser utilizada a favor del afectado.

Salvador Dalí (n. Figueres 1904; m. Figueres 1989)

“A los seis años deseaba ser cocinera” (insistía en el término femenino) y a los siete “quería ser Napoleón”.

El estilo hiperrealista, los paisajes oníricos y una personalidad excéntrica ha hecho prevalecer a Salvador Dalí, como el más celebre de los artistas surrealistas. De niño fue precoz, dando constantes arrebatos de furia, tuvo un padre exigente y de fuerte carácter que no entendía los gustos de su hijo, una madre que para el era la mejor de las personas, a quien, nunca se decidió a pintar, su hermana seria su modelo, para luego ser sustituida por su musa, su novia y luego esposa Gala, con quien tuvo su primera experiencia sexual, todos estos temas serían usados en sus cuadros.

En 1929 viajó a Paris, donde se adhirió al grupo de los surrealistas, quienes vieron sus provocativos cuadros, que representaban rechazo, odio, burla, ironía y un estilo que parecía una fotografía a color. Los surrealistas estaban muy influenciados por los escritos de su líder, André Breton, quien se basaba mucho en el concepto del inconsciente de Sigmund Freud, el padre del psicoanálisis, a quien Dalí comenzaría a ver con mucho interés.

Dalí trato de explotar la fuente aparentemente ilimitada de imágenes fantásticas y oníricas, que creía que iban a revolucionar la vida moderna, con un método que llamo paranoico- critico, basado en asociaciones e interpretaciones delirantes, que incluía mirar fijamente una serie de objetos hasta poder deslumbrar otros. Sus obras exploran el ámbito de los deseos inconscientes, revelando angustia, paranoia, miedos, sexualidad, asco y recuerdos.

Lo mejor de sus producciones se encuentra anterior a 1939, año en que fue excluido del movimiento surrealista, ya que Salvador apoyaba a Franco en la Guerra Civil Española, un pensamiento que chocaba con los valores surrealistas que apoyaban pensamientos comunistas. Solo y sin grupo, Dalí siguió pintando al estilo surrealista, hasta cuando el movimiento había pasado de ser una novedad, pues las ventas eran muy buenas, su forma de ser excéntrica y despreocupada lo hacían un sujeto provocador, odiado por otros artistas, él decía: - “La diferencia entre yo y los surrealistas, es que yo soy surrealista”. – siendo que esa personalidad se transformo en una marca personal de su propia arte, algunas veces dando entrevistas que carecían de sentido o siendo fotografiado paseando a su oso hormiguero en Nueva York.

En sus años finales, convirtió el antiguo teatro de Figueres en un museo dedicado a su obra.

La mascara que aparece en la serie de Netflix, La casa de papel, esta inspirada en la cara de Dalí.

La obra más celebre y famosa de Dalí, es “La persistencia de la memoria” (abajo), también una obra cumbre para comprender al surrealismo y a una de las pinturas más importantes de la historia del arte.

En su autobiografía Dalí describe estar trabajando en un paisaje cercano a Port Lligat: - “Cuyas rocas estaban iluminadas por un transparente y melancólico crepúsculo. En primer termino había un olivo con las ramas cortadas”- el artista explica que tras acabar su cena con un blando queso Camembert, se quedo pensando “en los problemas filosóficos de lo superblando” antes de ir a dar paso el ultimo vistazo para acabar con la obra, se le ocurrió la idea de los relojes blandos, uno siendo colgado en la rama del olivo. Tan solo dos horas después, la obra maestra ya estaba terminada.

La obra está trabajada con un detalle sorprendente, se dice que Dalí pintaba con finos pinceles de marta y una lupa de joyero era usada para trabajar aun más el detalle, siendo que trabajaba progresivamente por capas (cuando se dice “capas”, es cuando se deposita pintura, para luego depositar más pintura, es como si fueran las manos que se pasan en la pared de una casa, a más manos que cuente una pared, mejor será).

Los relojes tienen que ver con el paso del tiempo, el deterioro y la memoria, además en algunas zonas aparecen las agujas marcando las zonas arrugadas del reloj, no marcan ya la hora, mostrándonos un mundo que ya no tiene tiempo. El olivo es a nivel cultural el símbolo de la paz, la purificación y la abundancia, pero el árbol de la pintura, es un ejemplar seco, sin vida y solitario, en un paisaje desolado, por otro lado, en Cataluña es común la presencia de los olivos, donde se crio Dalí.

De todas formas, Dalí nunca explico que significaba su obra (fiel a su estilo), críticos de arte y psicólogos han tratado de explicarlo al relacionarlo con símbolos y la visión del mismo Dalí, se piensa que la sensación de superblando tiene que ver con el momento del nacimiento o de la muerte, o que hace mención a la impotencia, un tema que Dalí plantearía en muchas de sus obras.

También se puede encontrar un reloj naranja que esta asediado por hormigas, no está blando, pero las hormigas están sobre este, Dalí opinaba que representar un grupo de hormigas era para él símbolo de putrefacción, también no es casualidad que están sobre un reloj, como haciendo mención que el tiempo nos consume, termina toda vida. Dalí utilizó a las hormigas en otros de sus cuadros, también en la película “Un perro andaluz” de Luis Buñuel, donde una mujer aparece con la mano llena de estos insectos. Tanto las hormigas como la mosca son un memento mori (del latín “recordar” se dice que es cuando se utiliza un símbolo que haga mención a la muerte, como el uso de calaveras).

Vincent Van Gogh (n. Groot-Zuder, 1853, m. Auvers Sur-Oise, 1890)

Hijo de un pastor neerlandés, Vincent trabajó para un marchante y fue maestro y predicador, antes de dedicarse al arte. En una breve carrera que le llevaría una década, donde pinto casi mil pinturas, donde creó un estilo sumamente personal, donde expresaba intensas emociones a través de pinceladas vigorosas y con colores vivos. Fue una figura importante del postimpresionismo, pero no era respetado por los impresionistas, ni por los críticos, ni por la gente, quien lo catalogaban como un tipo sin talento, un inadaptado, un raro que no podía hacer arte, así vivió sus días pasando la vida solo, con amistades que se consumían, de relaciones con mujeres que les eran cada vez más esquivas a trágicas, con una crisis mental que lo consumía y lo sumergía en una constante depresión.

El único ingreso que tenia era de su hermano menor Theo, quien tenía una vida más estable que su hermano, fue un exitoso marchante de arte, le daba dinero para financiar su arte y los materiales como pinceles y pintura. Los hermanos se escriben muchas cartas entre ellos, donde se lograron obtener detalles de la vida de Vincent.

Vincent era un artista que se esforzaba al máximo, terminaba un cuadro y continuaba con otro, en algunas ocasiones no comía, o vivía en la más alta miseria humana, pero seguía pintando, era un lector constante, se decía que los ejemplares más grandes eran sus favoritos, los cuales eran consumidos por su rápida lectura, su gran forma de escribir se puede leer en las cartas que se escribió con su hermano.

Es curioso mencionar un hecho muy importante del pintor, pues cuando su madre dio a luz a un bebe este murió al poco tiempo, esa criatura fue llamada Vincent Van Gogh, entonces para suplir su gran perdida, la señora se embarazo y dio a luz otro bebe, este fue llamado también Vincent Van Gogh. Tiempo después, el pintor vería la tumba de su hermano, la cual tendría su propio nombre, hay quienes opinan que era la forma de verse a si mismo, o el destino que tendría, o era la sensación de que él nació para suplir la perdida de su madre, para ser un suplente.

Cuando Vincent viaja a Paris, comienza a pintar con una paleta más colorida e intensa. Son paisajes, casas, personas en sus trabajos, habitaciones, conocidos, amigos o familiares, pero pinta muchos auto retratos, de distintos colores, o distintos ángulos, el pintarse tanto a sigo mismo, es una manera de mostrar su gran soledad.

A los 37 años, con una situación psíquica muy frágil, solo y sin amigos, con una gran adicción al alcohol y con una carrera a cuesta abajo, el artista se quita la vida de un disparo.

Las pinturas de Van Gogh quedan sin dueño, pues a la muerte de su creador, no había quien las reclame, se llegarían a encontrar algunas pinturas que se encontraban como puertas improvisadas de gallineros, la iglesia deseaba encontrar las pinturas para que sean destruidas, ya que se decía que la forma de pintar de Vincent era de una persona que se encontraba poseída por el Diablo. Durante años se creía que las pinturas fueron rescatadas por su hermano Theo, pero este murió a los seis de la muerte de Vincent, sufrió un colapso mental, entonces ¿Quién fue la persona que se quedaría con las pinturas? Sería la cuñada de Vincent, Johanna Van Gogh-Bonger, y esposa de Theo, cuando este murió, ella decidió buscar las obras de arte, ella sabia hablar cuatro idiomas, sabía mucho de arte y había trabajado en museos, siendo que ella era una gran visitadora de galerías y museos, trabajaba mucho al lado de su esposo, era una gran pianista y tenia contacto con los críticos de arte, y su conocimiento en idiomas era una gran ventaja.

Johanna logro recuperar las obras, luego las comenzó a vender, siendo que Vincent solo vendió una obra estando vivo, pero Johanna logro vender 192 cuadros, “los girasoles” fue vendido por 15000 florines holandeses de la época (serian unos seis millones de euros si los ajustamos a la inflación de hoy en día).

Sus estudios y sus contactos fueron vitales para difundir la obra de su cuñado, también logro publicar artículos en diarios y revistas, que hicieron conocido al difunto, obras le sobraban. Durante años se creyó que fue Theo quien logro recuperar las obras, pero Johanna fue quien logró salvar del olvido el apellido Van Gogh, ella también publicaría el libro Vincent y Theo, una obra que reúne las cartas que se pasaban los hermanos.

Ella fue una audaz empresaria, pero nunca se desprendió de la obra Almendro en flor, una pintura que Vincent le regalo cuando ella fue madre.

Actualmente el apellido Van Gogh es sinónimo de arte, con museos y obras dispersadas por todo el mundo, algunas pinturas o bocetos (dibujos rápidos con poco detalle) yacen colgados en las paredes de ricos o famosos, las obras de Vincent se venden por millones en las subastas de arte, llegando a récords históricos. Se imprimen libros de arte de Van Gogh, su imagen es usada en tazas, remeras, posters, memes o se reproducen por todo el mundo, el libro Vincent y Theo fue traducido a distintos idiomas y se siguen imprimiendo ejemplares. Unos jóvenes artistas serían los primeros que se interesarían por su arte, para crear el expresionismo, luego todas las siguientes vanguardias tendrían al genio holandés como referente, por eso es llamado el precursor del arte moderno.

Una de las obras más conocidas de Vincent Van Gogh, es “La noche estrellada” (izquierda), la cual también es una de las obras más famosas en el mundo del arte.

Se presentan estrellas como fuegos artificiales, en un cielo nocturno, rodeado de formas ondulantes de energía, en primer plano se haya un ciprés oscuro. La noche estrellada refleja la intensa respuesta emocional de Van Gogh le tenía a la naturaleza, la vista del pueblo es inventada, mientras que se ve una iglesia con aguja la cual esta basada en los recuerdos de Vincent de su Holanda natal. Se ve una intensa pincelada, pintura cargada y suelta, muchas líneas una sobre otra, también serian una muestra del estado mental que estaba pasando el autor. Llama la atención las líneas marcadas, inspiradas del arte japones y de los grabados antiguos.

La noche estrellada fue pintada cuando Vincent se encontraba en el asilo de Saint-Remy, un centro psiquiátrico, era un paciente que solía salir a caminar a los campos, y aprovechaba para seguir pintando, también pinto al asilo mismo, a los interiores de las habitaciones, y a sus comunes autorretratos, lo cual demostraba que para Vincent ocupar su tiempo en el arte era terapéutico y seguía trabajando pese al lugar donde se encontrara, o es que seria su escape de una realidad que ningún ser humano se merece, el estar solo y sin hallar el éxito.

jueves, 26 de marzo de 2020